Rapsodia Bohemia [2018]: aún somos los campeones

24 feb. 2019




El controversial director Bryan Singer dirigió el proyecto más importante de su vida en el 2018. Por supuesto, hablamos de Bohemian Rhapsody (Rapsodia Bohemia), la tan esperada biografía fílmica del probablemente más importante e influyente cantante de rock de la historia, Freddie Mercury

A pesar del éxito taquillero (el filme es ya la biopic con mayor recaudación de la historia) y de crítica, no han faltado las opiniones adversas apuntando al hecho que se abordó brevemente la vida íntima del cantante. Pero de hecho esto es una falacia: el guión deja en claro quién era Mercury, a quién amó y con quién compartió sus últimos días.

Uno de esos grandes amores fue Mary Austin, interpretada de manera conmovedora por la hermosa Lucy Boynton. La actriz supo cómo capturar la vulnerabilidad  de Austin y el cariño inquebrantable que sentía el personaje por Mercury. Como los grandes y verdaderos amores, tal amor rompió las barreras del tiempo, género e incluso de los problemas y preferencias personales.

Película Rapsodia Bohemia
Lucy Boynton y Rami Malek crean una mancuerna perfecta en "Bohemian Rhapsody".




Rami Malek como Freddie Mercury

El actor norteamericano logra un trabajo que rompe la cuarta pared durante las más de 2 horas del filme para entrar en el corazón de la audiencia al dar vida en pantalla al atractivo, talentoso y hasta cierto punto infantil Freddie Mercury. Ninguna otra estrella fílmica hubiera podido inyectar aliento de nuevo a una leyenda que, a pesar de su alegada vida disipada, en el fondo era tan solo un adolescente buscando ser amado y aceptado tanto por el público, como por los hombres y mujeres importantes de su existencia.

Rami Malek brilla en el aspecto emocional y también en el técnico. Es bien sabido que Mercury no se consideraba un bailarín al estilo de Michael Jackson, por ejemplo. Captar en pantalla esa magnífica capacidad de improvisación no es tarea fácil, pero Malek se entregó totalmente a un rol que le ha valido el reconocimiento de crítica y público por igual. 

Elenco de Rapsodia Bohemia
El elenco de "Rapsodia Bohemia" brilla por su autenticidad y compromiso en escena.


Por ello, es notorio que entre las decenas de biopics de grandes astros del rock en la historia reciente del cine, es justamente Bohemian Rhapsody una de las que ha conectado más poderosamente con la audiencia. Vamos a equipararla entonces a “The Rose” (1979),  y la suprema interpretación de Bette Midler fuertemente basada en la legendaria Janis Joplin.

Una mención aparte merecen los geniales Gwilym Lee, Ben Hardy y Joe Mazzello como los integrantes de Queen (Brian May, Robert Taylor y John Deacon). Por minutos, quizás parte del público olvidó que estaban viendo a un grupo de grandes actores interpretar a estos astros del rock para caer en la ilusión fílmica que todo lo que aparece en la pantalla es real y que en verdad ellos son los auténticos Queen

Y de alguna manera así fue: más que una actuación, es una total reencarnación cinematográfica de la inmortal banda que ha cautivado a generaciones enteras.



“We Are The Champions”

La secuencia final, la cual replica el concierto que ofreció Queen en Live Aid (1985) es belleza pura. El trabajo de cámara, la cinematografía, ejecución musical no tienen falla. Más allá de ello, Bryan Singer capturó magistralmente la reacción única de cada una de las personas cercanas al cantante. Las emociones in crescendo son parte también de este espectáculo con vida propia.

We Are The Champions suena gloriosa. Uno de los mejores temas grabados por Queen, es capaz de encender las emociones del más indiferente escucha amante del buen rock y la buena música en general.

Lucy Boynton, Max Bennett y Aaron McCusker brillan en esta secuencia. Las miradas de admiración para Freddie, la expresión al borde del llanto de Mary Austin y la impresión de verlo en escena realizando tal ejecución, de hecho no solo rinden tributo al estatus de estrella de Mercury. 


Tales emociones fueron también el resultado del auténtico cariño al apreciar en un momento cumbre de su carrera a su mejor amigo, al hombre que surgiendo de la nada se atrevió a romper estereotipos y llegó al corazón de millones de hombres y mujeres por medio de su música. 

Lucy Boynton en Rapsodia Bohemia
Lucy Boynton, interpretando a Mary Austin, resume en una sola mirada el sentir de millones de personas al ver a Freddie Mercury interpretar "We Are The Champions".


En ese momento increíble, la adrenalina del público se funde con la de estos 3 personajes captados tras bambalinas y también con la de la audiencia apreciando la transmisión por televisión, para crear un momento inolvidable en la historia de la música.

Bohemian Rhapsody, en esta secuencia, nos recuerda que la música tiene poder para unir, construir e inspirar. Live Aid es el vivo testimonio de ello.

El legado de Freddie Mercury es más grande que la vida misma. Y por 134 minutos, Rapsodia Bohemia nos transporta a un mundo en el cual, definitivamente somos los campeones. El cine inyecta vida a los sueños, pero nosotros tenemos que materializarlos paso a paso. Y si lo dudan, pregunten sobre ello a Rami Malek.

Febrero 24, 2019



Bohemian Rhapsody,
Estados Unidos, Inglaterra, 2018
Dirigida por Bryan Singer,
Producida por Graham King, Jim Beach
Guión de Anthony McCarten,
Distribuida por 20th Century Fox
Elenco: Rami Malek, Lucy Boynton, Gwilyn Lee, Ben Hardy, Joe Mazzello, Aidan Gillen, Allen Leech, Tom Hollander, Mike Myers
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Música de John Ottman

24 feb. 2019

ROMA by Alfonso Cuarón: a stunning vision in black and white

23 feb. 2019















February 23, 2019

Roma by Alfonso Cuarón is his ultimate effort to turn his craft into the most intimate type of storytelling. It is definitely his riskiest effort ever, as he completely strips the movie off any kind of distraction other than contemplative silence, small but compelling details and an evergoing warm dialogue between each one of the characters and the audience. Finally, he pretty much succeeds in delivering both visible and hidden messages during two hours of pure beauty and longing imagery.

When I first watched the film on December 14, 2018, I had zero expectations about it. I thought that maybe it would be some pretentious art film interesting for some though not for me. The awards and recognitions the movie had already gotten did not impress me at all and with that particular mindset I watched it with my family.

I was totally wrong. In fact, it was a slightly shocking experience for several reasons. By the middle of the movie, I had drawn some conclusions:

1) Cuarón is obsessed with details, even those inevitably eschatological and involuntarily funny (yes, I mean El Borras).

2) Men are miserable in many ways.


Yalitza Aparicio Roma
Yalitza Aparicio has conquered both the critics and audience as "Cleo".


However, saying this unfairly simplifies the film's meaning and value. For that reason, perhaps the first misconception about the movie is the story itself. Some people just don’t get it. They don’t even understand the true origin of the story: it is not a film meant to shock with expensive special effects or with an overblown though gorgeous kind of acting a-lá Gloria Swanson in Sunset Boulevard or Dolores Del Río in Bugambilia.

These two cinema legends did an extraordinary job, because their roles required it so: women living an endless drama that demanded a great dose of tears, frenzy and - in Swanson’s case - total madness.

However that was not what the director needed from Yalitza Aparicio, the pre-school teacher now turned into an actress, an international celebrity and Oscar nominee. The character had to be played in a substantially different way. So, what did she have to do to perform the most talked-about film role in recent years?

"For Libo"

The dedication at the end of the film sets the record straight. Roma is not a product meant to delight the audience with endless action sequences or intense drama every 30 seconds. It isn’t even a protest movie. It is a tribute to one of the most important people in Alfonso Cuarón’s life. If Fred Zinnemann directed a two-hour poem to national pride and the value of friendship in From Here to Eternity, then the talented Mexican director produced a black and white ode dedicated to Libo, the maid and nanny who became his most treasured mother figure.

That's what Roma represents: a traditional story about Mexico in the 70s and its many faces, places and characters. Every artistic license was necessary to describre a period in Cuarón’s childhood living with Cleo, the name attributed to his nanny in the film. Therefore, the movie is a story of a specific period set in time, without any political or social pretension. Ironically, it has opened the dialogue about all this in a surprising way.

Roma by Alfonso Cuarón
"Roma" by Alfonso Cuarón is a 2-hour poem to Libo, his loved nanny and endearing mother figure.


The film visually delights the crowd thanks to an impeccable cinematography and the long shots exuding nostalgia and showing the Insurgentes Avenue and Cine de las Americas in all its splendor, among other scenarios. For a few seconds, the Mexico City gets magnified before the audience’s very eyes and looks more gorgeous than ever, pollution free and full of hope.

The lovelessness in the times of Cleo and Sofía

Roma tells the romantic lives of Cleodegaria and Sofía (a mighty Marina de Tavira). When Sofía's holding tight her nonchalant husband (Fernando Grediaga), we’re just watching the way in which so many women in Mexico have clung far too long to a patriarchal figure for decades, even when this implies plain betrayal.

The marching band crossing the street at that moment underlines Sofia’s pain and her longing for things to be different. Does anyone in the audience remember that same expression on their mothers, sisters, aunts or grandmothers faces at some point in their lives?

Marina de Tavira Roma
Marina de Tavira played the role of her life as "Sofía", a wife and mother trying to deal with the madness of everyday life. 



Yalitza Aparicio, on the other hand, does an extraordinary job in a scene titled by the director himself as "The Abyss of Certainty". After Fermín’s neglect and treachery (Jorge Antonio Guerrero), without saying one single word, she perfectly embodies the pain of loss, the kind of loss that for a moment feels eternal. Or maybe this is just the way our mind also betrays our heart.

Later, Sofia closes full circle with an emblematic line: "it does not matter what they tell you, we are always alone". Maybe in the years ahead these images will be regarded as some of the most emblematic in all-time world cinema.

The age of the innocence

Within all the drama lived by the two women of different social class, Cuarón leaves enough space so the audience can  gloat over the purest elements of his film. Thus, the contrast of the poor and rich children (let’s wear out these terms once more) having fun, one with an expensive astronaut costume and the other, in Ciudad Neza wandering with a bucket on the head, unifies those two scenarios for art’s sake. For the innocent at heart, the only duty in this world is to be happy.

Cuarón knows how to show beauty in a very skillful way. A single detail, a single black and white sequence can makes us laugh while melting our hearts at the same time. After all, misery has not defeated innocence and abundance can also bring you some tenderness.

Alfonso Cuarón Roma
Alfonso Cuarón remind us that happiness lies in the smallest of details.



Somehow, and since the film is also a story about the human condition with no particular labels attached, there's a great contrast between such flashbacks of a Mexico that once existed and the reality shown in another masterpiece: Los Olvidados, by Luis Buñuel.

Buñuel produced a great movie that has transcended time, but whose severity leaves very little space for hope, only briefly displayed in the final part of the story. Roma, in contrast, seems to rub indulgence in the audience’s face right and left, thanks to the sweetest characters in the movie perfectly played by a young cast (Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Marco Graf and Daniela Demesa) and Borras himself.

Yalitza Aparicio, beyond awards

The pseudo-critics talking about a unskilled young Aparicio, conveniently ignore the climax of her performance during the most devastating segments of the film: when giving birth to her stillborn baby and when opening her heart on the beach in Veracruz to confess the stormiest of the secrets. This scene alone is worth a thousand awards. After all is said and done, what are we in this world without the ones who love us?

The dreadful hate speech recently targeting Yalitza in social media by both regular users and so-called famous people, means absolutely nothing before such performance. As happened with Lamberto Maggiorani in Ladri di Biciclette -the humble worker turned into an actor thanks to the magic of Vittorio De Sica- Aparicio finds her own place in film story with a role that will mark his life forever, whether or not she decides to pursue a major acting career. 



The traumatic birth scene displays enough bitterness to shock and made the audience cry for a moment. Then it is not hard to explain why Aparicio’s natural talent has conquered both critics and a large part of a worldwide audience who fell in love with Cleo

Cleo goes from shyness to a graphic and heartbreaking moment in the delivery room. In some moments, Aparicio’s performance reminds us of Florencia from Luis Mandoki’s Gaby, a True Story (1987), played by a superb Norma Leandro. The well-known Argentinian actress never spoke out loud during that film nor had hundreds of lines. Actually, she didn't catch the audience’s eye with an over-the-top performance. She did it by reaching their hearts with a calm, though warm and powerful performance. 

Hence, most acting associations have gone crazy over Yalitza Aparicio’s performance. Of course, all that praise has translated into several nominations, but the rookie movie star shines beyond all those awards. 

Yalitza Aparicio in Roma
Yalitza Aparicio's performance is definitely greater than any given award.


Roma in the XXI century 

Alfonso Cuarón’s nostalgic 2-hour flashback is not exactly a political film per-sé, despite clear references to the then reigning corrupted party or the 1971 Corpus Christi bloodshed. The relevance of his work goes even beyond the dialogue about classism or the way domestic workers have been treated for decades in Mexico. 

Of course, each and every one of those topics is very important. However, Roma is basically a look at the past and a love story. Since genuine love has no labels, the next generations will enjoy the story of a woman who, due to traditions, beliefs, social patterns and personal circumstances, shares her existence with the family who emotionally adopted her forever.

Jorge Antonio Guerrero Roma
Jorge Antonio Guerrero plays "Fermín". The talented Mexican actor shines in the film during contrasting sequences plenty of eroticism and drama.


The plotline is actually pretty simple, but the form, full of details and pristine cinematography, produced a unique result. In this context, even the smallest details and closed shots work like a brief meditation exercise that is completely torn apart during the movie’s climax. 

Roma was an extreme emotionally experience for me. It even reminded me of so many memories lost in my mind, some of which I needed to heal. I actually did while watching this gorgeous film, proving that art can be better than any therapy session. 

It also reminded me of so many details about Mexico that we take for granted every day: the parents playing with their children at the park, or the little dog swinging their tail while lying beside a kid on the street, taking care of them as a best friend does. Even if Cuarón translated his deepest dreams into black and white sequences, Mexico burst into colors in every corner of every city full of people dreaming with the best of tomorrow. 



And all those ideas, all those dreams are born again thanks to a film of great beauty that reminded me of a simpler world and childhood dreams. Let‘s call it then "the great sequence shot of our own existence".

So is it time to thank Alfonso Cuarón for that? Something tells me I'll have to do it. For now, we will appreciate the purest realism in black and white once again. 


















ROMA
México, 2018
Directed, written and produced by Alfonso Cuarón
Production Companies: Espectáculos Fílmicos el Coyú, Pimienta Films, Participant Media, Esperanto Filmoj
Distributed by: Espectáculos Fílmicos el Coyú, Netflix
Starring: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Fernando Grediaga, Jorge Antonio Guerrero, Marco Graf, Daniela Demesa, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Nancy García, Verónica García, José Manuel Guerrero Mendoza, Verónica García, Víctor Manuel Resendiz "Latin Lover"
Cinematography: Alfonso Cuarón

23 feb. 2019

From Here to Eternity (De Aquí a la Eternidad) [1953]

17 feb. 2019







Febrero 17, 2019

De Aquí a la Eternidad (From Here to Eternity) es el pretexto perfecto para recordar la época cinematográfica en la que los cineastas otorgaban un gran valor a la estética de una película como motor principal para despertar emociones. Este tiempo sin efectos especiales estrambóticos y sonido envolvente originó algunas de las más grandes obras acerca de la amistad, amor, erotismo implícito y valor viril.

El director Fred Zinnemann aprovechó al máximo a cada una de las súper estrellas que actuaron en su obra. Así, la tensión sexual entre Karen (Deborah Kerr) y el Sargento Milton Warden (Burt Lancaster) originó algunos de los diálogos y escenas más memorables de la cinematografía mundial. El deseo latente de uno por el otro, que sin embargo va más allá del simple coito ocasional para transformarse en un poderoso lazo de amor-deseo, es tan potente como la relación entre el mismo Warden y su protegido Robert Lee “Prew” Prewitt (Montgomery Clift). 

De hecho, From  Here to Eternity utiliza la figura de Prewitt como centro de la historia. Alrededor del atractivo, enigmático y al mismo tiempo noble e introvertido joven, se tejen las demás historias de amor, violencia y amistad que acontecen en el filme. 


De Aquí a la Eternidad, Fran Sinatra y Donna Reed.
Frank Sinatra y Donna Reed brillan en este filme de Fred Zinnemann.


Prewitt se convierte en el receptáculo del afecto del capitán Warden, quien ve en él a una especie de alma solitaria y desprotegida capaz de llegar a la excelencia dentro y fuera del campo militar. A su vez, Prewitt es amado por Lorene (Donna Reed) y recibe la amistad incondicional y eterna del soldado Angelo Maggio (Frank Sinatra). 


De Aquí a la Eternidad


From Here to Eternity, para muchas generaciones, es básicamente una oda al amor por la patria y un poema fílmico de 2 horas de duración a la lealtad que surge de la amistad auténtica. La impresionante cinematografía sirve como vehículo para mostrar un elenco tan poderoso que derrite la pantalla con cada diálogo y con cada close-up. La naturaleza de pasión militar del filme, sin embargo, esconde muchos otras historias no difíciles de observar.

Una de las más curiosas es la manera como el personaje de Karen Holmes retrata a la perfección el doble estándar construido con base en la imagen de la mujer fácil. La mujer que tiene que soportar infidelidad de parte de un esposo poderoso, al desquitar su amargura fornicando con otros hombres, se convierte también en “la ramera del pueblo”. Como tal, la figura femenina pierde de una forma u otra. Pero ¿qué tanto ha cambiado esa doble moral desde entonces? 


From Here to Eternity love scene
Deborah Kerr y Burt Lancaster encienden la pantalla en secuencias que despliegan un muy fino erotismo.


La soledad de Prewitt y su larvada instrospección, por otra parte, parecen nunca concluir. El joven militar rara vez sonríe. Rara vez parece sentirse satisfecho con su vida y acciones. Parece ser que esa perpetua insatisfacción lo acompaña hasta el último instante de su vida y sin embargo transforma las existencias de todos aquellos que lo conocen de manera magistral.

Por su parte, Burt Lancaster y su representación de Milton Warden encarnan la esperanza última de la figura patriarcal capaz de resolver los más grandes problemas, proteger a otros y darse el tiempo de acostarse con la esposa de su superior, enamorándose en el proceso. 

Para los progresistas actuales, es una visión absolutamente machista del rol masculino en la sociedad. Para los cinéfilos a ultranza, por su parte, es simplemente la figura que representa poder y masculinidad férrea y que de alguna manera es capaz de brindar un equilibrio a la trama que acontece en esos 120 minutos, con o sin apetitos sexuales desbordados e incluso ilícitos.

Pero, ¿a quién sorprende que Lancaster, grande en la pantalla y grande en la vida real, encarne a la perfecta figura paterna, jefe, amigo y amante?



A pesar de ello, los puristas literarios estarán de acuerdo que en pantalla el público aprecia una versión bastante censurada del libro de James Jones. Las referencias explícitas a prácticas homosexuales, enfermedades venéreas, prostitución y violencia que aparecen en su obra, jamás se ven como tal en el filme. 

Irónicamente esto fue lo que permitió su éxito masivo. Si la película hubiera sido concebida como una calca del libro, las estrictas reglas de la época hubieran sepultado por siempre el resultado. Por lo tanto, habrá qué agradecer a la censura por una vez por el nacimiento de esta obra suprema cinematográfica.

From Here to Eternity brilla en el tiempo como una película que nos regala a un magnífico Sinatra añadiendo un cierto toque de comedia y ligereza al drama que sucede en esas 2 horas, así como a tantos grandes que incluyen también a Ernest Borgnine y a Philip Ober. Deborah Kerr, Lancaster y Clift, por su parte, son ya inmortales. Decir que fueron y seguirán siendo maestros de la actuación es incluso redundante. 




Sin embargo, hubiera sido genial que el formato original del filme fuera en Cinemascope, pero nada es perfecto ¿cierto?

En el vasto universo cinematográfico se encuentra un filme que cimbra al observar a un Prewitt interpretar su propia versión de Taps al despedir a su amigo, como un sonoro y doloroso lamento al amanecer. Al mismo tiempo, erotiza y emociona con una secuencia inolvidable entre Lancaster y Deborah Kerr. Quizás nunca más en la historia del cine, una playa ha sido testigo de tal ardor retratado con tan buen gusto y con tan prístina fotografía.

De alguna manera, Zinnemann nos recordó que ambas emociones, deseo y tristeza, son solo dos distintos destellos de eternidad en una misma historia.



From Here to Eternity

From Here to Eternity
Estados Unidos, 1953
Columbia Pictures
Dirigida por Frank Zinnemann
Basada en el libro de James Jones
Producida por Buddy Adler
Guión de: Daniel Taradash
Protagonizada por: Deborah Kerr, Burt Lancaster, Montgomery Clift, Frank Sinatra, Donna Reed, Philip Ober, Ernest Borgnine
Música de George Duning
Fotografía de Burnett Guffe

17 feb. 2019