The Exorcist [1973]

Father Damien Karras: Why her? Why this girl?

Father Merrin: I think the point is to make us despair. To see ourselves as animal and ugly. To make us reject the possibility that God could love us. 

Note: This review includes both the original theatrical release and the 2000's "Version You've Never Seen". 

Producing the most important movie of any given film genre it isn’t an easy task for a filmmaker. Actually, they never know what is going to happen with their work. They just put their blood, sweat and tears into their films and the audience and critics are left to draw their own conclusions.

Writer William Peter Blatty and director William Friedkin can tell a lot about it, as they are the masterminds behind The Exorcist, often regarded as the scariest movie of all time.

But that is just an understatement. 

The story was allegedly based on a real case: in the late 1940s a group of Catholic priests performed a series of exorcisms on a young boy whose real name still remains undisclosed, though he is known as Roland Doe. 

William Peter Blatty’s book is a fictional representation of Doe’s tribulation, even though author Thomas B. Allen claims in his 1993 book Possessed: The True Story of an Exorcism that there was nothing supernatural about this child. Be as it may, The Exorcist became a bestseller and its film adaptation is a state-of-the-art masterpiece, to say the least.

Regan (Linda Blair) is a twelve year-old girl full of life. She’s living the life of her dreams  with her mother, the actress Chris MacNeil (Ellen Burstyn), despite her father’s absence. Miss MacNeil is a brilliant and smart woman who doesn’t believe in any kind of God or supernatural affairs. She just wants the best for her daughter and the love between them seems to be an unbreakable bond. 

That’s why they cannot even imagine the hell they are going to live. Regan’s behavior starts to change little by little, up to the point where her personality has drastically changed. The beautiful preteen dreamer is now gone and a monster has appeared.

William Friedkin captured the book’s essence in a magnificent way. His artistic vision was so accurate and intense that the groundbreaking sequences changed the Horror genre for good. The best example of this is one of the most grotesque and graphic (yet fascinating) movie scenes of all time: after Burke Dennings (played by Jack MacGowran), a film director and one of Chris’ closest friends) is murdered while taking care of Regan, Detective William F. Kinderman (Lee J. Cobb) opens and investigation and visits the house. 

The pleasant yet very sharp gentleman gets along very well with Chris, but his questions led her to find out that Dennings was killed by a very disordered Regan herself. 

After Kinderman leaves, the deeply saddened mother hears two different voices coming from the girls’ bedroom. There is a deep voice demanding Regan to “do it” and there’s her own voice begging him to stop. Then Chris enters the room as all kinds of objects are flying and she sees how Regan, now with an extremely deformed face, is literally raping herself with a crucifix. 

She tries to stop her, but the evidently possessed girl forces her own mother to lick her bleeding crotch and brutally slaps her. Then Denning’s voice is heard, as Regan’s head completely spins, confirming the theory that he was killed by the once innocent young woman. 

 

Maybe Mr. Friedkin didn’t know at that time that the innocence of a whole generation of moviegoers would be taken away with such scene. The audience was used to watch some werewolves and vampire movies from the 40s, 50s and 60s. Such depiction of violence and the mix of religious imagery, sex and horror were indeed too disturbing. But, isn’t a pioneer’s job to change the rules?

One of the movie’s most fascinating characters is Father Damian Karras (Jason Miller). He's both a spiritually tormented man and a loving son. This saintless portrait of a Catholic priest as a man and not as a miracle maker -as many people would like to believe- works perfectly on every level of filmmaking. Such character is any director’s dream and William Friedkin knew exactly how to draw on Karras’ life experiences to embody a thirty-something man walking a wandering way in his search for spiritual enlightenment. 

Karras, who is also a psychiatrist, is struggling with his own inner demons and eventually faces the loss of his mother, who spent her last days blaming him for leaving her behind in a sordid mental institution. In fact, the lack of money stopped him from sending her to a decent retirement home and this feeling of guilt haunts him until his very last moment. 

Then, the non-believer Chris MacNeil desperately seeks for Karras’ help to exorcize Regan, after most doctors have given up on her. The young man agrees to see her and he does what no one else would dare to do. Suddenly, he’s talking to the devil, or at least this is the name that the entity inside of Regan gives itself.

The last part of the movie shows both Karras and Father Lankester Merrin (Max von Sydow) exorcizing Regan. Merrin is facing an old and powerful enemy and this last effort could cost him his life. Eventually it does, but not before an epic battle takes place, one that broke every rule in the book of what a Horror movie was supposed to be. For almost twenty minutes, the goodness and high intentions of the two warriors protecting Regan’s soul collide against the most disgusting immorality and depravity. The demon inside Regan (Pazuzu) tortures the two priests emotionally while draining them physically.

The beautiful and talented Linda Blair, who became a pop culture phenomenon right after The Exorcist, has stated in some interviews that is not a Horror movie. Some might agree with her, as this is a film about the nature of evil and the question that haunts most people in the darkest moments of their existences: Is there any kind of God loving us? Is there a Higher Being above in Heaven? If such childish belief is true, then, why does He allow so much pain and suffering in this world?

Both Friedkin and Blatty agree that the movie has a personal meaning for every member of the audience. We as spectators are entitled to reflect on our own approach to make up our minds. However, The Exorcist is so complex that the analysis of every subplot, rather than the whole movie itself, is a very intriguing and captivating process.  

The exaltation of the Mother figure both in Regan and Karras’ lives is a very important part of the story. In Chris’ case specially, the potential loss of her offspring through an evil spirit and the subsequent fight for Regan’s soul might be a metaphor for Mary’s ordeal while accompanying Jesus on his way to the crucifixion, as told in The Bible.

The Exorcist’s spectacular cinematography, sound editing and setting created a very strange kind of beauty: when the two priests go upstairs to fight their last battle, there is an astonishing contrast between the unbearable sounds coming from the room and Chris’ anguish and tears. Even in such unimaginable situation, a mother’s love is stronger than fear. She’s in pain in exactly the same way as if her daughter was suffering from any given disease, but for cinema’s sake of course, she is possessed by a demon. 

Merrin’s togetherness fills the scene while he quietly asks Chris about Regan’s middle name, as if he wasn’t aware of the danger and rottenness that lies just a few steps ahead. The devoted man of God is very much living in the present moment, a spiritual quality that Damien lacks.

During the exorcism, Damien's faith and patience are tested over and over and he even listens again the “voice” of his defunct mother. That sound that once meant love and joy is now a bizarre sequence of words coming from the father of lies himself. 

Far away from using the over-the-top tricks of modern Horror movies, The Exorcist plays with a latent lack of hope and the disturbing possibility that the places we once loved might become a minefield set to destroy us. In such horrific scenario, the price for our freedom could be the highest one.

At the end of the movie, the two men give their own lives so the young girl may live, and this is the ultimate religious metaphor, of course: the sacrifice of the Lamb leads to eternity. Death becomes life again and resurrection is a miracle made with pain and unspeakable affliction.

There are also those elements that make of this all-time classic an even more enjoyable experience: the representation of true friendship and loyalty (Chris and her assistant Sharon, played by Kitty Winn). The search for eternal peace (Damien’s wordless confession while dying as being held by his best friend, Father Joseph Dyer). And finally the presence of Detective Kinderman at the end, asking Father Dyer (Father William O'Malley) to go to the movies with him. 

Suddenly, as William Friedkin said himself in an interview, everything is right in the world again. Kinderman’s fondness for those simple pleasures remind us that no matter how stormy our path has been, there will always be time to smile again.  

The Exorcist is a lot more than green vomit, freakish head spins and well achieved sound effects (Gonzalo Gavira did a great job, by the way). It is a haunting masterpiece about fear, hope, love and the mystery of God, created with no expensive computer effects at all yet scaring people worldwide for over four decades now. It just takes a legendary director, an extraordinary crew and a group of gifted actors  (it would take a whole book to talk about the talent of each one of them, Burstyn, Blair, Max von Sydow, Miller and the whole cast) to make a film like this.

But appearances can be deceiving: the idea of evil represented in a possessed girl tied to her bed is also kind of naïve.  So it is time to know about real evil:  let’s find out about the most powerful nations promoting and supporting wars in Middle-East countries in order to own their natural resources and killing thousands of innocent men, children and women in the process. 

Let’s do some research and see how many children have been raped and abused by Catholic priests and nuns for centuries. And every time you open a newspaper or watch the news, you’ll hear from time to time about parents beating their babies to death.

That is the real face of evil. And this is the kind of wickedness that should be wiped off the face of the Earth, once and for all. 

Suddenly, the image of Linda Blair levitating off bed with blank eyes doesn’t seem so terrifying. It’s just a mesmerizing film moment in time from the greatest Horror movie ever made. 

October 31, 2014

           

The Exorcist, 1973
USA
Distributed by Warner Bros
Written and produced by William Peter Blatty
Directed by William Friedkin
Starring: Ellen Burstyn, Max von Sydow, Linda Blair, Jason Miller, Lee J. Cobb, Kitty Winn, Jack MacGowran, Father William O'Malley
Cinematography: Owen Roizman
Edited by Norman Gay, Jordan Leondopoulos, Evan A. Lottman, Bud S. Smith
Music by Jack Nitzche

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Monster [2003]

"Todo lo que necesitas es amor y confiar en ti mismo... bonita idea, pero no funciona exactamente así. Aunque supongo que a los trece años es mejor escuchar una mentira que saber la verdad." -Aileen Wuornos-

Octubre 30, 2014 

Patty Jenkins posee la combinación exacta de sensibilidad, cerebro y talento como directora y narradora de historias. El proyecto más importante de su carrera tuvo lugar en el 2003 y se tituló Monster, una película basada en la vida de la llamada Damisela de la Muerte: la asesina serial Aileen Wuornos, ejecutada en el 2002 luego de ser acusada del asesinato de al menos seis hombres. 

La vida de Wuornos fue como sacada de una película, pero no una que alguien disfrutaría ver con su familia y amigos. Su sola existencia abre un amplio diálogo acerca del machismo, el continuo abuso infantil en todas partes del planeta, el sistema judicial misógino que existe y la misma existencia de ese ser que la religión organizada llama "Dios".

Abordemos este último punto: la teoría de que hay un Ser Omnipotente que existe, todo lo ve y cuida de sus hijos, quedaría en absoluta duda luego de conocer la historia de esta mujer nacida en Michigan (1956). Su vida marcada por el abuso sexual, la injusticia, el horror y la depravación en el más amplio sentido es mucho más de lo que la mayoría merecería soportar. 

En su película de casi 110 minutos de duración, Jenkins desgrana los acontecimientos que condujeron a la caída total de Wuornos, con las correspondientes licencias poéticas implícitas, y los necesarios cambios de nombre de algunos personajes. 

La historia muestra a una afligida Aileen (Charlize Theron) suplicando una señal divina para continuar con su vida. Ésta llega en forma de mujer: Selby Wall (Christina Ricci) es una joven lesbiana buscando aventuras y lidiando con una familia represiva de doble moral. 

Aileen se aferra a Selby como una tabla de salvación. Su cariño por ella poco tiene que ver en realidad con un deseo sexual de cualquier índole o con sus preferencias sexuales personales. En el fondo es un desesperado intento por probar que la vida puede, por una sola vez, ofrecerle felicidad legítima y un motivo para enderezar su camino. En este contexto las ‘estupideces’ clase medieras que los conservadores anhelan y los rebeldes detestan –una casa con un gran jardín, un perro y una pareja estable- serían para la vilipendiada mujer el sueño de toda una vida.

Ahora, Aileen tiene una ilusión que le sirve para proseguir. Aún así, continúa realizando lo único que sabe hacer (corrección: lo que el mundo y la sociedad le han hecho creer que es lo único que puede hacer) para sobrevivir y ganar dinero. De esta forma, se prostituye en las carreteras de Florida (lugar donde ahora reside) sin medir el peligro que implica vender la carne a hombres sin un minúsculo ápice de moral. 

Pero aquí el término “moral” no tiene absolutamente nada que ver con sexo o prostitución, sino con la cualidad de respetar la vida del otro y tratarlo como un ser humano y no como un objeto de tortura y humillación, algo a lo que la confundida Aileen está tristemente acostumbrada. 

Desafortunadamente para ella, los demonios de su pasado marcado por la violencia aparecen atraídos como metal al imán para escupirle de nuevo en la cara su propia condición y su escasa oportunidad de encontrar un lugar en este mundo. 

En una secuencia por demás bizarra y desgarradora, uno de sus clientes, Vincent (Lee Tergesen) la golpea y viola de forma por demás brutal. Posteriormente ella lo asesina y es esta la primera de muchas víctimas que ella ultima, como si con cada balazo quisiera desaparecer cada uno de sus recuerdos de infancia y juventud. En la vida real, cada hombre asesinado representó una sentencia de muerte. 

Luego de sobrevivir a este horror, Aileen y Selby deciden vivir juntas y hacer vida de pareja. Los sueños legítimos pero ingenuos de Wuornos contrastan violentamente con su realidad: en su mente sólo desea tener un hogar y ser feliz como cualquier otro ser humano, pero su alterada visión de las cosas le impide darse cuenta que se aproxima a una temprana auto inmolación. 

La búsqueda de un trabajo convencional y serio confronta a la mujer con un mundo que ella apenas conoce y los humillantes rechazos la empujan al mismo camino de siempre. Su incapacidad de mentir la mete en problemas de nuevo y el pestilente sistema policial le recuerda una vez más que para una prostituta sin estudios y preparación, no hay lugar en una conservadora e hipócrita sociedad que despedaza las ilusiones de aquél que no encaje en sus normas y reglas.

El desarrollo de los acontecimientos en la película conduce a la búsqueda de la asesina de diferentes hombres con su correspondiente captura y condena. Pero antes de llegar al desenlace, hay incontables elementos que convierten a esta película en uno de los mejores filmes independientes de la historia. 

El primero y más obvio de todos, es la actuación sin precedente de una muy hermosa Charlize Theron. Más que una simple representación de un personaje, es prácticamente un desdoblamiento físico y emocional que apenas unas cuantas luminarias -aún las más publicitadas- podrían llevar a cabo. La transformación física de la actriz para caracterizar al personaje recibió suficiente publicidad, pero la metamorfosis emocional por la que atraviesa es la que rompe todos los esquemas y enaltece el Séptimo Arte en su más salvaje expresión.

El compromiso artístico de Charlize y su impresionante ética de trabajo la llevaron a ganar merecidamente  los principales premios del 2004. En esta ocasión esos galardones cumplieron su cometido: lograr que más personas vean el filme y se entregaran por dos horas a esta desagradable y triste experiencia. Con suficiente esperanza, las preguntas aflorarán en sus mentes  y el precio emocional de responderlas es una tarea arriesgada, pero al mismo tiempo bastante compensatoria.

Patty Jenkins no juega a ser el abogado del diablo con esta historia, ya que en ningún momento  justifica o santifica a Wuornos. No obstante, su visión como directora y escritora la condujeron por el camino acertado y despojan su trabajo de toda superficialidad. 

Jenkins indaga, cuestiona y relata, pero también (tal como ella lo ha expresado) buscaba con afán que el público entrara por un momento en la mente y psique de Aileen y comprendiera los motivos que la llevaron a actuar de esta forma. Más allá de la lástima o repulsión que esto puede provocar, la compasión por un ser lastimado, brutalizado, golpeado y violado desde pequeño cambia por completo el escenario de la víctima y el victimario. 

El uso de dos clásicos de la música popular para dramatizar un par de escenas de amor (es momento de cambiar el paradigma y dejar de etiquetar a una escena como gay o lésbica) cala por completo en el subconsciente del espectador y contrasta el mensaje de esas canciones con la miseria y soledad de la protagonista: la primera vez que Aileen y Selby tienen algún tipo de contacto físico, las notas de Don’t Stop Believing de Journey suenan con gran energía, mientras que en su primera noche juntas, el éxito de Tommy James and The Shondells, Crimson and Clover (1968) subraya el momento erótico entre dos mujeres buscando complementarse una a la otra. La vulnerabilidad de Aileen  queda expuesta totalmente en estas secuencias.
 

 

Tal parece que todos los años de prostitución y el lodo en el que la joven es sumergida por su familia y la sociedad entera, no alcanzaron a dañar del todo a su niña interna. Su cruda inocencia aflora aún en los peores momentos y convierte a Monster en una experiencia aún más difícil de digerir. 

Charlize Theron cimbra al espectador al despedirse su personaje en una estación de autobuses de la única persona que en verdad amó en toda su vida y de igual forma al asesinar entre sollozos y lamentos a su última víctima, un desafortunado caballero que sólo pretendía ayudarla.  Su entrega demuestra lo grandiosa y perfecta que una actriz puede llegar a ser y en verdad no hay suficientes premios  para retribuir este esfuerzo. Los premios van y vienen y se entregan por cuestiones de mercadotecnia, pero las mejores actuaciones perduran por siempre.

Christina Ricci como la manipuladora Selby y un brillante Bruce Dern como Thomas, el único amigo sincero de Wuornos, están imponentes y justo en su punto. Los críticos que consideraron la actuación de Ricci como “floja” no comprendieron que esa era precisamente la intención: crear un personaje con un rostro de ingenuidad, quien jura amar a su infortunada pareja y sin embargo la empuja para prostituirse de nuevo. Finalmente  atestigua en su contra durante el juicio, ante el rostro lloroso de Aileen.

Monster no es sólo otra biografía fílmica, sino una cruda alegoría de la sociedad maldita en la que millones de seres humanos nacen y crecen sin mayor opción que sufrir todo tipo de vejaciones, sin siquiera comprender el por qué. El verdadero ‘monstruo’ no es una sola entidad, sino la suma de muchos factores: el abuso infantil, la falta de oportunidades, las falsas creencias personales aprendidas de los peores maestros, la misoginia y la brutalidad contra los desposeídos perpetrada por el sistema en todas y cada una de sus ramificaciones. No hay manumisión en un mundo así y no existe ni perdón ni alivio. 

El fantasma de Aileen Wuornos aún vaga por las oscuras y frías autopistas de Florida buscando redención y consuelo. Tal vez nunca lo encuentre, pero esta película es un excelente comienzo.

Monster, 2003

Estados Unidos

DEJ Productions

Media 8 Entertainment 

Distribuida por Columbia Pictures

Producida por: Charlize Theron, Mark Damon, Clark Peterson, Donald Kushner, Brad Wyman

Dirigida y escrita por Patty Jenkins

Actuaciones: Charlize Theron, Christina Ricci, Bruce Dern, Lee Tergesen, Annie Corley

Fotografía: Steven Bernstein

Música: BT

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Carrie [1976]

Stephen King es conocido por su extravagante y cautivante forma de describir personajes y oscuras emociones. Llevar a la pantalla sus pensamientos es un arma de doble filo. Aún así, la primera adaptación cinematográfica del primero de sus libros fue alabada por la crítica y el público respondió favorablemente en la taquilla. Se trata de Carrie, por supuesto y es un clásico del cine de Horror por méritos propios.

Ningún guión adaptado para cine hará jamás honor totalmente al libro del que se origina y esta película no es la excepción. Parece ser un resumen de la obra de King, o utilizando ese temible término, la versión Hollywood de un libro más que disfrutable. Afortunadamente, la dirección de Brian De Palma y las inolvidables actuaciones la convirtieron en uno de los mejores filmes del género.

Carrie (Sissy Spacek) es una adolescente traumatizada por la vida que ha tenido desde niña, sin padre y al lado de una madre extremadamente abusiva y fanática (Margaret White, Piper Laurie). La mente de su madre lo interpreta todo como castigo, dogma y pecado. 

La pieza que une lo dramático con lo sobrenatural es la cualidad inexplicable atribuida a la protagonista: con suficiente concentración puede mover objetos con su mente. Estos poderes telequinéticos afloran especialmente en momentos de gran estrés, como la primera vez que tiene su periodo menstrual, ante la burla y humillación de sus compañeras. 

El mundo de la joven gira en torno a bullying escolar, discursos religiosos estúpidos y la nula convivencia con sus demás compañeras como Chris (Nancy Allen) o Sue (Amy Irving). Éstas representan lo contrario a Carrie en la escala social y de acuerdo a las reglas, la oscuridad jamás se mezcla con la luz.

Eventualmente Sue convence a su novio Tommy Ross (William Katt) que invite a Carrie a la ya cercana fiesta de graduación del bachillerato, motivada por el remordimiento. La buena intención de Sue termina en tragedia, ya que Chris Hargensen y Billy Nolan (John Travolta), su novio, planean junto a otros amigos la humillación final en la fiesta. 

Luego de ser elegidos rey y reina del baile, con trampa de por medio, Carrie y Tommy suben para ser coronados. A los pocos instantes, son bañados en sangre de cerdo y Ross muere de un impacto en la cabeza al caerle la cubeta. Carrie llega al límite de su resistencia y al ver que todos una vez más se burlaron de ella, los asesina en una secuencia que ahora puede parecer anticuada, pero que sin embargo sigue siendo poderosa y embelesante. La actuación de Spacek domina la escena y de ser una joven con ilusiones y pureza en su corazón, se convierte en verdugo, orillada por la propia maldad de compañeros, familia e incluso maestros.

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Más Negro Que la Noche [1975]

En la historia del cine mexicano no abundan los ejemplos de grandes realizaciones en el género de terror. Por fortuna para los espectadores, algunas de las pocas películas que trascendieron la prueba del tiempo son más que disfrutables y han llegado a ser objeto de culto. Una de ellas es Hasta el Viento Tiene Miedo (1968) de la autoría de Carlos Enrique Taboada, quien también la dirigió.

El talentoso escritor creó también el ahora clásico filme azteca de suspenso y horror conocido como Más Negro Que La Noche. La película fue estrenada en 1975, un año en el que el cine de este género a nivel mundial había sido ya conmocionado con la salida de The Exorcist, un par de años antes. Ya nada volvió a ser igual luego del estreno de este clásico y los cineastas tuvieron que esforzarse mucho más en su intento por perturbar a la audiencia.

La historia gira en torno a un hermoso felino de nombre Becker. Al morir su ama, la Tía Susana (interpretada por la nunca bien ponderada Tamara Garina), el gato se convierte en la condición legal para que la enorme mansión donde moraba con su dueña sea heredada a Ofelia (Claudia Islas). La atractiva joven, sobrina de la señora, tiene que prometer cuidarlo y hacerse cargo de él en todos los aspectos para que la casa se convierta en su propiedad.

Para suerte de Becker, Ofelia es de gran corazón y comprende intuitivamente que el gato sólo busca cariño, alimento y el calor que su dueña le prodigaba. Pero la prima y amigas de Ofelia no comparten su sentir: Aurora, Pilar y Marta (Susana Dosamantes, Helena Rojo y Lucía Méndez, respectivamente) detestan al animal y en cuanto se mudan a la casa le demuestran su rechazo abiertamente. 

La casa es lúgubre, tal como en toda película de misterio. El ama de llaves (Sofía, Alicia Palacios) es de semblante duro, pero conoce a la perfección el significado de la lealtad. De esta forma, el recuerdo de su patrona se refleja directamente en el cariño que siente por Becker, al que cuida tal como si fuera un niño pequeño.

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Up [2009]

Para: Josué, Matías y Santiago.

En el Séptimo Arte, la tecnología no siempre cumple su cometido como debiera ser. A menudo es utilizada para disfrazar guiones mediocres y actuaciones deficientes con el exagerado uso de costosos efectos visuales y especiales. 

Por fortuna, en el terreno de la animación sucede todo lo contrario y la película Up (latinizada como Up, Una Aventura de Altura) es un ejemplo divertido, tierno y entrañable de esta afirmación. Pixar y Disney no escatimaron recursos para crear una de las películas infantiles más célebres ya de la historia, ganadora de varios premios y mencionada en varias listas de lo mejor de la década 2001-2010. 

Pero el efecto en la audiencia, sin duda debe ser una de las mejores recompensas para los realizadores y hay material de sobra  para hablar al respecto.

Up es la historia de dos niños llamados Ellie y Carl, quienes comparten una marcada afición por los viajes, la aventura y todo lo referente a acampar, explorar y descubrir nuevos terrenos. Su amistad infantil evoluciona hasta llegar a la adolescencia y posteriormente a la juventud adulta. El cariño que existe entre ellos se transforma en amor de pareja y contraen matrimonio.

A pesar de la felicidad que comparten, una circunstancia empaña su universo eventualmente: la incapacidad de Ellie para procrear. Por supuesto, la pluma de los escritores Bob Peterson, Bob Docter y Thomas MCarthy hace posible que la pareja continúe unida firmemente hasta el día de la muerte de Ellie.

Con ella parte no sólo una vida entera, sino también las ilusiones para viajar a Sudamérica, un plan que jamás se convierte en realidad: una vez que ahorraban algo de dinero en un jarrón de cristal (una ingenua representación de las finanzas personales), un nuevo gasto surgía y atrasaba esa anhelada travesía. 

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Mrs. Doubtfire [1993]

October 23, 2014

Mrs. Doubtfire certainly was a movie ahead of its time. Years before terms  such as family diversity became popular, British writer Anne Fine had already published a book about unconditional love and how far someone can go to protect their loved ones. The film adaption was made by Leslie Dixon and Randi Mayem Singer, starring Robin Williams and Sally Field. 

Daniel Hillard is a voice actor who loses the custody of his three children after divorcing his wife, Miranda. He’s a smart and talented man but his eccentric and kind of irresponsible behavior always gets him into trouble. Now, he must find a way to be close of his kids again. 

It couldn’t be any other way of course: he decides to dress in drag to get a job as a nanny. Therefore he becomes Mrs. Doubtfire, a British, neat and charming British 60-something lady. Suddenly, Daniel is closer than ever to his children, Lydia (15), Chris (13) & Natalie (6). 

Now Daniel is living a double life: he’s a one of a kind nanny and also works in a television station, a place where his talent as a comedian is later discovered by the CEO himself (Robert Prosky). But this professional rebirth is not good enough to make him happy. Deep down in his heart he longs to be again the proud father of those three kids with no legal restriction at all. 

Finally, Lydia and Chris found out the truth about Mrs. Doubtfire but promise to keep the secret. There are of course dozens of funny moments and Robin Williams delivers an extraordinary performance as an endearing father, one who would give his own life in a heartbeat just for the sake of his children. 

Williams’ character embodies the best of both worlds: the raw masculinity and the most pleasant (and at the same time hilarious) femininity. These days, there are a lot of so-called comedians dressing in drag just to make fun of women, but the joke’s on them: none of those could portrait a lady with such precision and dignity as Robin did. 

Eventually, Daniel’s shenanigans come to light and now he’s in a worse situation, as he’s limited to supervised visitation just once a week. In the meantime, Miranda’s relationship with his new man Stuart (Pierce Brosnan) gets serious while Daniel is hired as the new host of a very particular TV show. 

Miranda comes to her senses and allows Daniel to visit his family with no legal limitations, whatsoever. They are happier than ever, and the once happily married couple finally learns how to get along well with each other with no judgment, tension or hate. 

The movie's last scene resumes the message in the best way possible: as Daniel picks up his children to spend the day with them, Mrs. Doubtfire’s sweet and tender voice is heard on TV advising one of her young fans. She delivers a magnificent speech about family, tolerance and love.

 

More than two decades later, part of the society is trying to take away the rights of those who want to adopt other people’s unwanted children, let’s say gay couples. The concept of “morality” is so washed-up that some might think it is ok to see children dying on the streets or being mistreated in some orphanages rather than being loved by others, regardless of their sexual orientation. 

Maybe it is time to remember those final lines of the movie, in response to a little girl’s letter to Mrs. Doubtfire: 

Some parents, when they're angry, they get along much better when they don't live together. They don't fight all the time, and they can become better people, and much better mummies and daddies. And sometimes they get back together. And sometimes they don't. And if they don't, don't blame yourself. Just because they don't love each other anymore, doesn't mean that they don't love you. There are all sorts of different families. Some families have one mommy; some families have one daddy, or two families. And some children live with their uncle or aunt. Some live with their grandparents, and some children live with foster parents. And some live in separate homes, in separate neighborhoods, in different areas of the country,  and they may not see each other for days, or weeks, months... even years at a time. But if there's love, dear... those are the ties that bind, and you'll have a family in your heart, forever. All my love to you poppet, you're going to be alright... bye bye.

It should be all about love and nothing else.

Mrs. Doubtfire, 1993

Blue Wolf Productions

Distributed by 20th Century Fox

Directed by Chris Columbus

Produced by Marsha Garces Williams, Robin Williams and Mark Radcliffe

Screenplay by Randi Mayem Singer, Leslie Dixon based on Anne's Fine book "Alias Madame Doubtfire"

Starring: Robin Williams, Sally Field, Pierce Brosnan, Lisa Jakub, Matthew Lawrence, Mara Wilson, Robert Prosky, Harvey Fierstein

Cinematography: Donald McAlpine

Music: Howard Shore

 
 

 

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